K-컬처 이성준 기자 | 서울 강남의 예술 공간 아톨로지(ARTOLOGY)가 한국 수묵화의 새로운 가능성을 제시하는 의미 있는 전시를 선보인다. 류재춘 작가의 개인전 《Moon & Waves, 달과 수묵》이 오는 5월 14일부터 6월 3일까지 개최된다. 이번 전시는 작가와 아톨로지가 함께하는 첫 개인전으로, 단순한 전시를 넘어 한국 회화의 미래를 가늠할 중요한 분기점으로 주목받고 있다. 전시의 핵심은 ‘달’과 ‘수묵’이다. 류재춘 교수는 이 두 요소를 통해 자연의 순환과 에너지, 그리고 존재의 본질을 탐구한다. 화면 속 달은 단순한 천체가 아니라, 시간과 감정, 그리고 인간 내면의 깊이를 상징하는 중심축으로 자리한다. 그 주변을 흐르는 물과 파도, 폭포의 형상은 끊임없이 변화하는 생명의 리듬을 담아내며, 관람객으로 하여금 자연과 존재의 관계를 다시 사유하게 만든다. 구상과 추상의 경계를 허무는 ‘K-수묵’의 진화 이번 전시에서 선보이는 약 20여 점의 신작은 전통 수묵의 문법을 기반으로 하면서도, 현대적 감각과 실험성을 과감하게 결합한 것이 특징이다. 산과 물, 달빛에 잠긴 풍경은 분명 구상의 형태를 띠고 있지만, 동시에 추상적 울림으로 확장되며 관람
K-컬처 이존영 기자 | 시민행정신문 김학영 기자 | 작가 문정규는 오는 5월 7일부터 13일까지 이공갤러리에서 개인전 "속삭임, 그대에게 행운을"을 개최한다. 1984년 첫 개인전 이후 국내외에서 51회의 개인전 및 초대전을 이어오며 꾸준한 작업 세계를 구축해왔다. 조형예술학 박사이자 미술평론가 김재권은 “문정규는 형상을 통해 개념을 사유하는 작가”라 평가하며, 그를 한국 제2세대 퍼포먼스 작가군의 대표 인물로 규정한다. 150여 편 이상의 퍼포먼스를 통해 예술을 사고이자 삶의 태도로 확장해온 그의 작업은 삶과 죽음, 사랑과 기쁨, 왜곡과 편견, 그리고 기원과 소망에 이르는 폭넓은 주제를 다루며 사회적 문제의식을 환기해왔다. 이러한 작업 세계는 회화에서도 이어져, 그의 그림은 사물의 형상을 통해 의미를 전달하고 감각과 개념이 동시에 작동하는 장으로 확장된다. 미술사상가 김영재는 그의 회화를 “투명하고 명철한 조형적 탐구”로 정의하며, 뛰어난 사실성과 고명도의 색채, 당당한 구도가 만들어내는 강한 긴장감을 주목한다. 특히 꽃을 중심으로 한 화면은 감각적 환희를 넘어 보편적 미의식을 환기하며, 크로버와 무당벌레 등은 시선의 흐름과 화면의 균형을 조율하는 조형적
K-컬처 전득준 기자 | 한국적인 미학적 감각을 바탕으로 하면서도 고정된 원근법이나 관습적인 표현 방식에서 벗어나 자연에서 느낀 감흥을 선과 색채를 통해 표현하고 사람과 자연이 맞닿는 순간에 형성되는 리듬과 움직임을 화면 속에 담아내는 강상중 개인전《사람그림잔치 – 끌림》전시가 안산 더갤러리 (안산시 상록구 용신로 131 1F)에서 5월 17일 까지 열리고 있다. ‘사람들 사이에 흐르는 힘’을 가시화하려는 작가는 오랜 시간 축적해 온 누드 드로잉과 군중에 대한 관찰을 통해 인간 존재가 서로를 향해 열려 있는 방식, 그리고 그 사이에서 발생하는 긴장과 온기를 끈질기게 탐구해왔다. 강상중 회화의 미학적 핵심은 구상과 추상이 교차하는 경계의 진동속에 있으며, 구상과 추상의 경계 위에서 독특한 긴장을 형성한다. 인물의 윤곽은 분명하지만, 선은 흔들리고 번지며, 색채는 중첩되고 스며든다. 반복적인 그리기와 지우기의 과정 속에서 화면은 하나의 시간적 퇴적층이 된다. 점과 선, 얼룩과 번짐이 쌓여 만들어낸 표면은 단순한 시각적 효과를 넘어 감각의 깊이를 확장시키며, 인간 존재의 내면적 울림을 환기하고 있다. 화면을 덮는 색면의 구조에서 붉은 색조는 응집된 생명력과 감정의
K-컬처 전득준 기자 | 일상적 자연과 정물의 형상을 출발점으로 삼아, 그것을 변주하고 재구성함으로써 확장된 감각의 세계를 표현하는 이상희 개인전이 갤러리 이즈(서울 인사동길 52-1)에서 4월 27일 까지 열리고 있다. 작가는 구상과 비구상의 경계를 유연하게 넘나들며, 꽃과 생명체들이 축제를 벌이는 듯한 장면을 통해 현실과 상상의 접점을 시각적으로 구현한다. 화면 전반에 펼쳐진 고채도의 색채 스펙트럼은 이러한 감각적 세계를 더욱 밀도 있게 채우고 있다. ‘Dream’ 시리즈는 동명의 작품군을 축적·확장하는 방식으로 전개되며, 반복과 변형의 구조 속에서 하나의 자율적 세계를 형성한다. 작가는 시각언어의 리듬과 밀도를 정교하게 조율하여 익숙한 형상 위에 낯선 감각을 중첩시키고, 이를 통해 현실과 꿈의 경계를 사유하게 하여 직관적이고 감각적인 방식으로 ‘꿈의 미학’을 경험하게 한다. 이상희의 회화는 즉흥성과 축적의 이중적 속성 위에서 구축된다. 꿈의 세계는 사전에 완결된 구조가 아니라, 다양한 변수와 감각의 충돌 속에서 생성되며 끊임없이 변형된다. 작가는 발아하는 꿈의 에너지를 포착하여 각기 다른 움직임과 표정을 부여하고, 때로는 그것을 폭발적으로 분출시킨다.
K-컬처 전득준 기자 | 화성시문화관광재단이 운영하는 문화공간 ‘화성동탄365’(인사동 인사아트센터 3F)에서 김효정 작가의 개인전 《Ticket to the Planet: 다시 만날 너에게》가 4월 27일까지 열리고 있다. 김효정의 작업은 하나의 질문에서 출발한다. 상실 이후, 세계는 어떻게 다시 감각되는가. 이번 전시 《Ticket to the Planet: 다시 만날 너에게》는 작가가 경험한 사적인 이별과오랜 시간 함께한 작은 생명의 죽음을 계기로, 감정과 기억, 그리고 존재의 흔적이 어떻게 시각적 언어로 전환될 수 있는지를 탐구한다. 작가가 ‘3kg의 우주’라 명명한 이 상실의 경험은 단순한 개인적 서사를 넘어선다. 그것은 우리가 일상이라 부르는 안정된 감각의 구조가 얼마나 쉽게 균열될 수 있는지를 드러내며, 동시에 그 균열 이후 새롭게 조직되는 감각의 층위를 드러낸다. 익숙했던 공간은 낯설어지고, 공기의 온도와 미세한 소리까지도 이전과는 다른 밀도로 인지된다. 김효정의 회화는 바로 이 미묘한 감각의 변형을 포착하려는 시도라 할 수 있다. 전시장에 놓인 이미지들은 선명한 색면과 반복되는 원형, 그리고 유기적으로 변형되는 식물의 형상으로 구성된다. 아치
K-컬처 전득준 기자 | 눈에 보이지 않는 감정과 기억, 그리고 관계의 흔적을 ‘층(layer)’이라는 개념으로 시각화하는 작업으로 감동을 주는 서미라 작가의 개인전 《Layers of Pray》전시가 4월 27일까지 서울 인사동 G&J갤러리 인사아트센터 3층에서 열리고 있다. 작가는 물질로 환원될 수 없는 마음과 정신의 영역이 오히려 더욱 선명하게 존재한다고 말한다. 이는 형태가 없다는 이유로 사라지는 것이 아니라, 시간 속에서 스며들고 겹쳐지며 지속된다는 믿음에 기반한다. 이러한 관점은 감정과 기억을 단순한 재현이 아닌, 축적과 침윤의 과정으로 이해하게 만든다. 작가는 감정과 기억이 시간의 흐름 속에서 서로 겹치고 스며들며 생성되는 층위를 드러낸다. 화면 위에 쌓이는 색과 흔적들은 단절되지 않고 서로를 통과하며, 때로는 상처의 흔적으로, 때로는 위로의 흔적으로 남는다. 이러한 회화적 과정은 결과로서의 이미지보다, 감정이 머물고 지나간 자리 그 잔여와 여운을 드러내 보여주고 있다. 작가는 “작업은 어떤 결론을 제시하기보다, 감정이 지나간 자리와 아직 남아 있는 온기를 드러내는 과정에 가깝다”고 말한다. 《Layers of Pray》는 개인의 내면에서
K-컬처 김학영 기자 | 서울 올림픽공원 숲길 사이, 황금빛 기둥 하나가 하늘을 향해 솟아 있다. 단순한 직선의 구조 같지만, 가까이 다가서면 날카롭게 꺾인 면과 반복되는 기하학적 리듬이 긴장감 있게 살아 움직인다. 멕시코 출신 조각가이자 건축가 리카르도 레가조니(Regazzoni Ricardo)의 작품 「기둥 1-C(Column 1-C)」이다. 1942년 멕시코에서 태어난 레가조니는 멕시코 국립자유대학에서 건축을 공부하며 구조와 공간에 대한 깊은 이해를 쌓았다. 1970년 파리 도시계획연구소 장학금을 계기로 국제 무대에 진출했고, 뉴욕·바르셀로나·부에노스아이레스 등 세계 주요 도시에서 활동하며 건축적 조형언어를 확장해왔다. 현재는 뉴욕을 중심으로 조각과 건축을 넘나드는 작업을 이어가고 있다. 그의 작품 「기둥 1-C」는 100×100×380cm, steel/gilt(도금 강철)로 제작된 대형 공공조형물이다. 금빛 표면은 빛을 받아 시시각각 다른 색조를 드러내며, 주변 자연의 색채를 반사해 공간과 유기적으로 호흡한다. 단순히 서 있는 기둥이 아니라, 빛과 그림자를 통해 끊임없이 변화하는 ‘살아 있는 구조’다. 이 작품의 핵심은 ‘건축적 사고의 조각화’에 있다
K-컬처 이성준 기자 | 서울 송파구 올림픽공원 한켠, 가을빛 낙엽 사이로 강렬한 붉은 원이 시선을 사로잡는다. 단순한 형태지만 결코 단순하지 않은 이 조형물은 인도네시아 조각가 아르소노(Arsono)의 작품 「원(Circle)」이다. 철로 이루어진 이 거대한 원은 자연과 인간, 시간과 존재를 하나로 잇는 상징적 언어로 서 있다. 1940년 2월 7일, 인도네시아 욕야카르타에서 태어난 아르소노는 미술아카데미에서 조각을 전공하며 예술적 기반을 다졌다. 이후 인도네시아를 중심으로 아시아 각국에서 개인전을 개최하며 독자적인 조형 세계를 구축해왔다. 특히 그는 공공미술 영역에서 두각을 나타내며, 도시 공간 속에서 인간의 사유를 확장시키는 작품들을 꾸준히 선보여왔다. 현재는 자카르타를 중심으로 활동하고 있다. 그의 작품 「원」은 높이 200cm, 폭 60cm, 길이 200cm 규모의 철 구조물이다. 붉은 색채로 강조된 이 원형 조형은 내부에 기하학적 구조를 품고 있어, 보는 각도에 따라 전혀 다른 이미지를 만들어낸다. 외형은 완전한 원이지만, 내부는 비어 있고 동시에 채워져 있다. 이 대비는 ‘존재와 공(空)’이라는 동양적 사유를 떠올리게 한다. 특히 이 작품이 놓인
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